INTRODUCCIÓN
En esta página se van a mostrar las características de ciertos estilos de música que según el creador de la página (un servidor) son los más trabajados y los más especiales a la hora de tocarlos o escucharlos.
Todos ellos lanzan gritos de rebeldía en forma de peroratas muy extensas de léxico misterioso, literario o vulgar, con el fin de hacer llegar un mensaje, o simplemente con la intención de comer.
Se tratan temas diversos en sus temas, ya sea el amor, la amistad, la injusticia, y en una gran parte la disconformidad social.
Todo ello se consigue gracias al talento de profesionales de la música, ya sea tocando instrumentos, como cantando, escribiendo canciones, componiendo melodías, experimentando…todo se mezcla y el resultado es una música que se percibe por el cerebro, por las venas, y por el corazón.
Así, para empezar esta demostración de buena música y temas incomparables, mostraré los instrumentos preferidos en la creación de estas obras maestras.
GUITARRA ESPAÑOLA
Es un instrumento de cuerda formado por una caja de madera.
La guitarra se compone de dos partes principales: la caja y el mango.
En la caja, llamada también caja armónica o de resonancia, está ubicado el puente donde se ata un extremo de cada cuerda.
Pegado a la caja está el mango, en el que está ubicado el diapasón, que es una madera plana dividida por 19 barras de metal, llamadas trastes. Ellas son las que determinan la altura del sonido al pisar las cuerdas con los dedos de la mano izquierda. 
El extremo del mango termina en una paleta donde está colocado el clavijero, cuya función es estirar las cuerdas para poder afinar la guitarra.
Entre la paleta y el mango está la cejuela, que es un trozo de hueso con seis ranuras para apoyar las cuerdas.
En la caja, donde termina el diapasón, hay una abertura circular, la boca de la guitarra, por donde sale el sonido.
Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock y flamenco. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.
Cuando es más pequeño que una guitarra se denomina requinto y cuando es más grande guitarrón. Este último es de uso frecuente por los mariachis.
GUITARRA RÍTMICA
La guitarra rítmica es una guitarra que se usa para mantener el acompañamiento rítmico y armónico de un cantante principalmente o para otros instrumentos en un conjunto. El término se refiere al uso del instrumento y no a su construcción. El papel de la guitarra ritmica puede considerarse como el complemento de la guitarra solista. Es conocida como segunda guitarra aunque no por ellos es un guitarrista inferior.
En la actualidad, la distinción entre guitarra rítmica y guitarra solista ha perdido toda su importancia, pues cuando en un grupo hay más de un guitarrista, lo habitual es que se repartan entre ellos el trabajo.
Por ejemplo el grupo The Rolling Stones carece de guitarra solista, siendo ambos guitarristas "guitarristas de riffs", que se reparten las intervenciones según el tema lo requiera.
El papel de una guitarra ritmica es mantener el pulso o ritmo de una canción, y proporcionar armonía que apoya a los otros instrumentos o voces, en contraste con la Guitarra Solista que proporciona la melodía. Una parte de la guitarra puede ser clasificada así como una parte de guitarra ritmica siempre que su función sea principalmente rítmica o armónica en lugar de melódico.Una distinción estricta entre el ritmo y la Guitarra Solista no puede hacerse, sin embargo, como los guitarristas ritmicos buenos a menudo incorporan los elementos melódicos mientras tocan y pueden hacer un sonido fuerte en sus solos. Un guitarrista ritmico proporciona la capa de ritmo encima de la melodía tocada por otro instrumento o cantada por una persona.
Se espera típicamente que el guitarrista ritmico toque una sucesión de cordones en la música , llamó una progresión del cordón alrededor de que la canción se construye.
A menudo este acompañamiento cordial se simplifica a un racimo de dos o tres notas, a veces llamado un "riff" que se repite.
No hay ninguna línea definida entre el guitarrista ritmico y el guitarrista solista , y si hay sólo un guitarrista , o si las canciones lo requieren, el guitarrista puede tener que tocar solos y ritmo en los momentos diferentes. Pero estos apenas dependen de las partes tocadas en cada canción, y la capacidad de ese guitarrista.
Los guitarristas ritmicos normalmente apuntan a generar un tono más fuerte como el armonico , en contraste con la meta de los guitarristas solistas de producir una melodía cortante que puede oírse a través del sonido del resto del grupo. Como resultado, el ritmo y los solos pueden ser tocados con guitarras diferentes.Estos guitarristas pueden emplear una guitarra electroacústica o una guitarra eléctrica para un mejor rendimiento. También pueden usar cuerdas de una medida más grande que aquéllos usados por guitarristas solistas.
GUITARRA ELÉCTRICA
Guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores electromagneticos, llamados pastillas (pickups, en idioma inglés), que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay guitarras sin caja de resonancia (guitarra eléctrica sólida) o con una caja más pequeña de lo habitual (semisólida), las que pueden contar con agujeros al exterior con formas en "f" similares a los de las cajas de resonancia de los violines y otros instrumentos acústicos.
La guitarra eléctrica está formada por las siguientes partes:
- El cuerpo: normalmente de madera (encina, aliso, caoba, tilo, fresno, etc.), aunque a veces de materiales sintéticos como el luthite. Aloja en la parte interior los componentes electrónicos y puede ser semisólido con una pequeña caja de resonancia. La densidad de la madera incide en el lapso que una nota permanece sostenida después de pulsar la cuerda (a mayor densidad fijan a él por medio del puente. Hay diversos tipos de puente, cada uno con características especiales que inciden en el sonido final del instrumento e incluso algunos puentes incluyen pastillas piezoeléctricas para captar la vibración de las cuerdas o palancas de vibrato (también denominadas de whammy e incorrectamente de trémolo) para variar la tensión de las cuerdas y causar un efecto vaivén en la entonación.
- El mástil: también hecho de una o varias piezas de madera (arce, caoba, palorosa, etc.), tiene en su interior una barra de acero u otro material muy resistente, llamada alma, para contrarrestar la tensión de las cuerdas sobre él y que no pierda linealidad. Suele ir atornillado al cuerpo (como en la Stratocaster) o bien pegado (en la Gibson Les Paul). Sobre él se encuentra el diapasón (donde se apoyan los dedos al tocar) de la misma madera que el mástil u otra (palorrosa, wenge, ébano, arce...) encolada a él. Sobre el diapasón y en perpendicular a las cuerdas se encuentran los trastes; pequeñas barras metálicas (de acero normalmente) que entran en contacto con la cuerda al apoyar los dedos en el espacio entre ellos y sobre el diapasón.
- El clavijero o pala del clavijero: extremo del mástil donde las cuerdas van enrolladas a unas piezas metálicas cilíndricas con un tornillo sin fin que regula la tensión de la cuerda y por tanto su afinación.
BAJO ELÉCTRICO
Al hablar de bajo siempre se piensa en aquel instrumento que rellena de fondo con una base constante, o sea, aquel que acompaña en un segundo plano.
Sin embargo el bajista es un pilar fundamental en los grupos, rellenando muchas veces con notas encaminándose a ocupar un primer plano, imponiendo fuerza y energía a los temas que se interpretan.
El bajista debe hacer base como razón fundamental, pero no nos olvidemos de las posibilidades del instrumento y de no quedarnos siempre en las mismas figuras y notas, se debe crear todo el tiempo.
Ser bajista es participar junto a la batería en la creación de una base rítmica sólida y clara que guía a la banda.
Ser bajista es saber acompañar al solista cuando éste es el lider y es saber tomar el lugar del líder cuando llega nuestro turno.
En resumen ser un buen bajista es saber adaptarse a todas esta situaciones.
El bajo lo inventó en 1951 un estadounidense llamado Leo Fender (adivinan que marca fue su bajo?).El primer modelo fue denominado Fender Precisión (abajo en la foto), y el nombre no es casualidad ya que al poseer trastes le daba más precisión a las notas ejecutadas, frente a los tradicionales contrabajos, con la tabla del mástil completamente lisa.
El modelo 4 CUERDAS facilitó la vida de los bajistas de esa época, sobretodo de jazz, ya que en primer lugar tenían el problema del transporte de su contrabajo y en segundo lugar el problema de hacerse escuchar en medio de un grupo de saxofonistas, clarinetistas, trompetistas y demás "solistas" voraces, lo que se solucionó con este modelo ya que era más fácil de amplificar.
Algunos datos de importancia:
Nombre: Bajo
Familia: Cuerdas
Altura sonora: Tres octabas
Material: Combinación de metal, madera y plástico.
Clasificación: Cordófono. Es un instrumento que produce el sonido por la vibración de las cuerdas.
El bajo eléctrico consta básicamente de cuatro (4) cuerdas; las cuales tocadas al aire, es decir, sin tocar ningún espacio adentro del diapasón o mástil, conforman las notas: Sol (G), Re (D), La (A) y Mi (E) desde la primera (la más delgada) hasta la cuarta (la más gruesa) respectivamente.
¿Hay bajos que tengan más cuerdas?
Sí, existen también bajos de cinco (5) o seis (6) cuerdas, inclusive más. En el caso de bajos de cinco (5) cuerdas; se agrega una cuerda más gruesa que la cuarta; la cual tocada al aire es la nota Si (B). En el caso de bajos de seis (6) cuerdas se agregan la quinta cuerda (ya mencionada) y la sexta cuerda es una más delgada que la primera; la cual tocada al aire es la nota Do (C) .
¿Cómo se recomienda afinar el bajo eléctrico?
Primero, recordemos que para afinar el instrumento debemos usar las clavijas, las cuales están ubicadas en el extremo del mástil o diapasón, en lo que llamamos clavijero. Luego, para afinar el bajo eléctrico yo recomiendo hacerlo usando los llamados Armónicos Naturales, pero exclusivamente los que están ubicados sobre el quinto traste del instrumento porque son más agudos y así puedes lograr una afinación más exacta y precisa.
También recomiendo hacer esto usando un afinador electrónico, aunque nunca está de más hacerlo sin afinador porque esto ayuda a desarrollar el oído musical. En este último caso, vamos a necesitar también los armónicos que están sobre el séptimo traste.
Supongamos que tenemos la primera cuerda relativamente afinada; las siguientes cuerdas se afinarán de esta manera: se tiene que tocar el armónico del séptimo traste de la cuerda que yá está afinada, en este caso la primera, luego, al mismo tiempo, tenemos que tocar el armónico del quinto traste de la cuerda que queremos afinar, en este caso la segunda, para lograr la afinación; estos dos sonidos simultáneos deben sonar exactamente iguales. Si se llegara a producir una vibración en el sonido, quiere decir que la cuerda está desafinada.
BATERÍA
La Batería nace a principios del S. XX. Los principales elementos que la componen (bombo, caja, platos,...) existían ya en las orquestas clásicas y las fanfarrias militares. La aparición de la batería está directamente relacionada con la aparición del Jazz, aunque con las diferencias tecnológicas que existían a principios de siglo.
"La batería de jazz es la heredera de un pasado ancestral donde las pieles, las maderas y los metales revierten una perspectiva simbólica con respecto a todas las religiones del mundo. También conlleva le el sufrimiento de un pueblo (el pueblo africano) martirizado durante generaciones.
Los elementos que la componen son todos de origen ajeno al país donde nació ella, Estados unidos (El bombo y la caja de Europa, los platos de Turquía y de China, los toms de China, de Africa y de los indios Americanos) y fueron ensamblados por músicos que se dedicaban a los tambores, pero completamente desconocidos, solo se sabe que apareció por primera vez en los bares y los teatros alrededor de 1890.
1900-1910
En estados unidos durante estos años las orquesta tocaban con 3 o 4 percusionistas (uno para la caja, otro para el bombo y los demás para los diferentes elementos como platos, cajas chinas, etc.) o solamente dos si se tocaban fanfarrias. La invención del pie de caja y sobre todo del pie de bombo (comercializado en 1910 par Ludwig) permite ensamblar los diferentes elementos para que sean tocados por menos instrumentistas. La llegada del Ragtime y la necesidad de músicos para las salas de baile, termina de hacer necesario el ensamblaje de la batería, donde un solo instrumentista tocaba todos los elementos anteriormente mencionados.
La Batería en sus inicios no tiene el ensamblaje que conocemos hoy en día. Los parches son de piel de animal, El bombo es muy grande, con pequeños accesorios unidos a él (campanas, Wood-Blocks, pequeño plato suspendido,...), y tiene un solo tom-tom llamado tom-tom chino con dos parches montados directamente sobre el cuerpo de madera.
En esta época, el papel de la batería era el de seguir y mantener el ritmo de fanfarria, pero con un estilo musical muy similar al de las marchas militares, los baterías utilizaban los rudimentos del tambor clásico pero con un fraseo diferente, directamente inspirado en las orquestas de paradas (redobles menos rígidos, sincopas y acentuaciones solo en el primer tiempo).
Los años 20
Durante este periodo de tiempo, los constructores de material se proponen aportar mejoras tecnológicas en todos los aspectos, pero sin duda alguna la gran superación fue en lo que respecta a los primeros tom-toms afinables (que apenas se conocían y usaban en un principio), una serie de accesorios que se fijaban de cualquier manera al bombo, las primeras y sobre todo en el pie de charles que hasta entonces era demasiado rudimentario (llamado "Low Boy" o "Sock Cymbal").
En aquel entonces, la música de Jazz se hacía para bailar. Le batería tenía la sola misión de mantener el ritmo y marcar los tiempos fuertes en el bombo, que aún era grande y pesado (que a menudo era reemplazado por el base). Resulta curioso observar que aún no se utilizaba el Plato Ride para hacer caminar el ritmo.
Al final de los años 20, el único medio que un batería tenía para llamar la atención era el de efectuar algún que otro pequeño sólo en la entrada de la canción, o bien, en algún que otro momento efectuar una subida de volumen. Felizmente durante esos años aparecen los primeros virtuosos de nuestro instrumento como es el caso de "Baby Dodds" (Este es el primer batería que hace solos en las canciones quizás debido a su virtuosismo), de "Zutty Singleton" (que fue el primer batería que se preocupó de la utilización de los distintos colores sonoros de la batería).
De los 30 a los 50
Los años 30 ven resurgir una especial demanda de música para bailar. Los clubes de baile proliferan por doquier y de esta manera aparecen numerosas orquestas de baile y una gran cantidad de Big-Band, así como numerosos grupos de Jazz, y otros tipos de música que florecían en estos años. Y resurge enormemente la necesidad de contratar baterías de ritmo,
los fabricantes mejoran enormemente la calidad de todos los materiales que conformaban estos instrumentos e incluso se hacen inventos que mejoran la interpretación.
El pedal de charles, por ejemplo, que se convierte ya en totalmente operativo, es definitivamente quién cambia la sonoridad completa de este instrumento e incluso la manera de llevar el ritmo. Igualmente la aparición de los soportes de platos (que hasta ahora se soportaban sobre el bombo), anuncian la aparición del plato Ride que revolucionaría por completo el devenir de la Batería. Poco a poco, casi sin que los propios baterías se dieran cuenta, todas estas transformaciones los liberarían de los encasillados ritmos bases y liberarían sus manos, trasladando el ritmo del bombo a los platos dejando así libre la cabeza para hacer avanzar la batería hasta como la conocemos hoy en día. Los Toms con pellejos afinables se imponen definitivamente y los Toms bases sobre soporte (Inventados por el constructor "Slingerland") hacen una aparición fulminante e incluso algunos se montan con un pedal para poder cambiar la afinación.
Algunas piezas como "Sing Sing Sing" (orquesta de Benny Goodman - 1937) con Gene Krupa, las baquetas contribuyen a hacer evolucionar la imagen del batería que se convierten en verdaderos solistas de las orquestas, llegando incluso a liderar sus propias formaciones. Igualmente, el "set" de Gene Krupa se convierte en la batería estándar para todos los músicos de jazz y orquestas y Los fabricantes comienzan a proponer a los instrumentistas destacados que les dieran ideas para una construcción mas mejorada, llegando así la época en que la batería se convierte en el "set" de instrumentos que hoy en día conocemos.
Muchos y distintos baterías marcan este periodo. "Sydney Catlet" es uno de los primeros en anunciar la transición hacía la batería con un Swing inmejorable, una técnica depuradísima y una versatilidad magnifica para la ejecución de solos. Aunque llega enseguida "Papa" Jo Jones que "desmilitariza" la batería y le aporta musicalidad y melodía así como una interrelación con el solista. Se dice de él que es el primero en tocar el Charles y utilizar el plato Ride. Difícilmente se puede evocar el periodo Bi-bop sin mencionar a Kenny Clarke, ya que el primero en suprimir del bombo la necesidad de tocar los 4 tiempos fuertes y además introduce la sincopa, haciendo así de su estilo una pieza fundamental de la evolución de la música de Jazz, de orquesta y en definitiva de la interpretación de la batería (Siempre se destaca de él su virtuosismo con las escobillas).
Los años 50 y 60
La evolución más importante de este periodo es la aparición de las pieles sintéticas para las cajas, bombos y tom-toms (comercializadas por primera vez en 1957 por Remo). El fabricante Rogers propone en 1959 el primer sistema de sujeción de Toms verdaderamente articulado (Fijado sobre el bombo).
La aparición del Rock'n'roll asociado al desarrollo de la tecnología (discos, TV...) y el "show business" ponen a los instrumentistas en primer lugar de la sociedad. El boom de grupos como los Beatles, Roling Stone, etc. Popularizan aún mas el instrumento entre las generaciones más jóvenes. Los fabricantes se proponen ofertar todo tipo de materiales, desde la batería para debutantes como los modelos de gama alta. La enorme cantidad de baterías de Rock, cada uno con su propio estilo, contribuyen a la mejora desorbitante de la fiabilidad y la sonoridad de este instrumento.
Para hacer frente a la cantidad de grabaciones que se efectúan en estos momentos aparece, por primera vez una figura que no se conocía hasta entonces, el Batería de estudio e igualmente, los años 60 ven la aparición de las primeras estrellas de la batería de Rock como Keith Moon (The Who) y sobre todo John Bonham (Led Zeppelin).
Aunque aún se puede ver la influencia del Jazz en todos los baterías del momento, poco a poco cada estilo va desarrollando su propio sonido y sus propias características apareciendo casi inesperadamente una serie de baterías que desarrollan por completo y llevan hasta el límite la Técnica de ejecución de la Batería, entre ellos destaca sin dudad alguna Buddy Rich que además de el técnico mas grande que ha dado la batería se convertiría con los años en un verdadero showman. Elvin, Tony Williams, etc. son otros de los más representativos de este periodo, una verdadera joya en la evolución de este instrumento.
De los 70 a la actualidad
El desarrollo musical de muchos grupos de esta época se debe a la proliferación de toms y platos en sus baterías. Los dos toms sobre el bombo se convierte en normal en cualquier fabricante de baterías. Y los demás sistemas de sujeción y soporte se vuelven cada vez más normales y fuertes. Y es a partir de los años 80 cuando se inventan todo tipo de soportes, herrajes, pies, etc., hasta la aparición del Rack (que aguantan todo el sistema de soportes).
Los años 70 ven la aparición de fabricantes japoneses (Pearl, Tama, Yamaha,...) que poco a poco se irán comiendo a las marcas americanas y Europeas, gracias a su bajo coste y su gran rendimiento, este es el aldabonazo final para la total popularidad de este instrumento.
El mayor aporte de este periodo es la aparición de los primeros toms secuenciados, emergiendo de la nada una gran cantidad de baterías electrónicas, ritmos pregrabados, cajas de ritmos, etc. Y aunque esto no supone ningún avance técnico, si que en la cuestión física del instrumento y la sonoridad del mismo, supone un avance enorme.
Muchos y grandes baterías marcan el comienzo de este periodo, aparece el estilo "Jazz Rock Fusión" revelando una nueva raza de baterías absolutamente virtuosos, como los Vinnie Colaiuta, Dave Weckl y Dennis Chambers de hoy en día, estos son Jack Dejohnette (Gran improvisador y con una independencia asombrosa), Billy Cobham (Quizás el más técnico de todos los baterías), Steve Gadd (Gran dominador de todos los estilos musicales).
Algunos grandes nombres de la historia de la batería, no me gustaría que se me olvidaran nombra, aunque su aporte no haya sido tan significado como otros, son, sin duda alguna, la gran base de la historia de la batería: Chick Web, Max Roach, Philly Jo Jones, Art Blakey, Roy Haynes, Bernard Purdie, Harvey Mason, David Garibaldi, Steward Copeland, y otros grandes virtuosos que seguro que se me olvidan.
Solamente la tecnología de construcción de los nuevos instrumentos nos dirá hacia donde nos lleva la nueva visión del ritmo en este instrumento. La construcción electrónica de los elementos que la componen nos llevan de nuevo hacia una sonoridad sin límites, solo nos queda esperar a disfrutar de lo que nos depara el futuro
Partes de una batería:
La batería está compuesta por un conjunto de tambores, comúnmente de madera, cubiertos por dos parches, uno de golpeo en la parte superior y otro resonante en la parte inferior, estos tambores pueden variar su diámetro, afectando al tono, y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el parche de resonancia. Ademas los tambores tambien son acompañados por platos, y otros accesorios tales como cencerro, panderos, bloques de madera entre otros. La batería se puede Afinar con una llave de afinación. Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa.
Tambores
- Bombo: Usualmente diámetros desde 18" hasta 26" x 14" hasta 22" de profundidad, siendo el de 22"x 16" el más usado.
Caja o redoblante: suele tener un diámetro de 14", pero los hay desde 10" a 17". La profundidad estándar es 5,5", pudiendo variar desde 3,5" (piccolo) hasta 8". A diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordonera o conjunto de alambres que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su vibración por simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja.
- Timbales o Toms. Desde 6" hasta 14" de diámetro. Estos van montados generalmente sobre el bombo, pero si se usan más de dos, se instalan en soportes adicionales.
- Tom base o Floor Tom (goliat): Desde 14 hasta 18" de diámetro. generalmete poseen patas individuales, pero algunas veces permiten ser anclados a un soporte de platillo.
Generalmente los tambores estan fabricados de madera y el tipo, calidad y grosor de ésta influyen en la calidad del sonido producido.
Platos
- Crash: Plato mediano de 14" - 20". Se utiliza sobre para dar énfasis en los pasajes musicales y para algunos ritmos.
- Ride: Plato grande que varía de entre 17" y 24", aunque hay marcas a modo de curiosidad que los fabricaron hasta de 32", se usan muchas veces para llevar el ritmo en sustitución del Hi-Hat. Los más comunes son los de 20" y 22".
- Splash: Plato pequeño que varía de 6" pulgadas hasta 12", se usan para efectos especiales, comúnmente en pasajes de poca intensidad sonora.
- China: Son fabricados desde 10" hasta 22". También hay el Splash-China, de 8" a 12". Se usan para efectos. Su diseño es característico pues parecen colocados del revés.
- Crash Ride: Plato mediano-grande de 18" o 20". Hay gente que los usa como Crash y como Ride, y gente que los usa como Crash, debido a su mayor potencia.
- Heavy: Plato grueso con un sonido intermedio entre Crash y China. Se fabrican de 16" o 18".
- Hi-Hat o Charles: Sistema que consta de 2 platillos instalados en un soporte con pedal que permite que uno caiga sobre el otro haciéndolos sonar. Se fabrican entre 10 a 16 pulgadas donde el más comun es el de 14". puede ser normal o edge este ultimo consiste en que el platillo que va abajo (bottom) tiene un borde corrugado que da un sonido mejor para ciertos géneros.
La configuraciones de tambores y platillo se hacen a gusto del baterista. Por tal motivo varían los tamaños y formas e incluso marcas ya que cada una de ellas brindan un sonido único y característico.
Se toca con baquetas o escobillas Las baquetas varían según el material (madera, fibra o aluminio (ahead)), grosor, longitud, tipo y material de punta y peso para tocar con mayor o menor rapidez, con mayor o menor potencia, o con diferentes tonos en el caso de usa baquetas de punta de felpa, según las características de cada baterista. Otros instrumentos que pueden ir en la batería son:
- cencerros
- campanas
- campanillas o cortinas
- bongos
- congas
- caja china
- caja sorda
TECLADOS
.El teclado es la parte o sección frontal de un instrumento musical, sección provista de teclas y destinada a ser accionada por medio de los dedos de las manos. Por extensión, teclado se aplica comúnmente a todo instrumento musical provisto de teclado. Al presionarse las teclas, el instrumento produce sonidos por medios acústicos, electrónicos o electromagnéticos, según el caso, y dichos sonidos ejecutados a lo largo del tiempo generan melodías. En ocasiones se ejecutan de manera simultánea generando acordes, que a lo largo del tiempo generan una armonía musical.
Está compuesto por un conjunto de teclas adyacentes, negras y blancas. El intervalo entre una tecla blanca y una negra es un semitono y entre dos teclas un tono. El intérprete de los instrumentos de teclado se le denomina teclista o tecladista.
Historia
Los teclados musicales están diseñados en base a la afinación occidental. Las notas naturales de la escala de do (do, re, mi, fa, sol, la, si) son blancas y de mayor tamaño, mientras las correspondientes a los sostenidos (do#, re#, fa#, sol#, la#) o bemoles (reb, mib, solb, lab, sib) son negras y un poco más pequeñas. La organización convencional de las notas en el teclado data del siglo XV, aunque la idea de teclado puede rastrearse hasta el siglo III aec, con el hydraulis (órgano de agua griego).
Número de teclas
El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo XVIII los clavecines tenían hasta cinco octavas (poco más de 61 teclas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870 tenían 88 teclas. Algunos pianos modernos tienen algunas teclas más (por ejemplo un Bösendorfer 225 tiene 92, y un Bösendorfer 290 Imperial tiene 97 teclas). Los órganos generalmente tienen 61 teclas por “manual”. Los sintetizadores tienen por lo general 61, 76 u 88 teclas (casi 5, 6 o 7 octavas, respectivamente).
El número de teclas negras y blancas puede variar según el fabricante, y según el modelo de teclado. Por ejemplo, un teclado de 5 octavas de la empresa Yamaha vienen con 61 teclas (36 blancas y 25 negras); en cambio un teclado Casio de 5 octavas tiene 59 teclas (34 blancas y 25 negras).
Tipos de instrumentos de teclado
Los instrumentos de teclado pueden ser:
* instrumentos de viento (órgano, acordeón),
* instrumentos de cuerda (clave o clavecín, clavicordio, piano), o
* instrumentos electrónicos (órgano eléctrico, sintetizador).
Otros instrumentos de teclado
Existen instrumentos con una conformación similar a los teclados, sin ser exactamente instrumentos de teclado. Por ejemplo, el xilófono, la marimba, el vibráfono o el glockenspiel cuentan con barras de algún material resonante dispuestas igualmente en tonos y semitonos, pero son golpeadas directamente mediante algún tipo de baqueta.
Teclado electrónico
Un teclado electrónico generalmente puede reproducir muchos sonidos, similares o no a los que producen otros instrumentos. En algunos casos, su funcionamiento se basa en mecanismos eléctricos, electrónicos o digitales que crean los sonidos. Aquí se encuentran tanto los sintetizadores como otros instrumentos originalmente creados para imitar pianos (Rhodes, Würlitzer) u órganos (Hammond).
Otros teclados reproducen muestras (en inglés samples) de sonidos previamente grabados. Éstos pueden venir fijos “de fábrica”, o ser capturados y manipulados mediante un sampler. Una de las primeras versiones de éste tipo de teclado fue el Mellotron, el cual reproducía muestras de instrumentos reales grabados en cintas, con una muestra diferente para cada nota.
Los sintetizadores y sampleadores no necesariamente cuentan con un teclado para ser tocados. En los últimos años se han desarrollado teclados controladores para el protocolo MIDI, los cuales no producen sonidos por sí mismos, sino que envían señales MIDI a un sintetizador, sampler o computadora capaz de interpretarlos y traducirlos en sonidos.
